Du har spilt inn alt, men trenger fortsatt å sette sammen de separate elementene i innspilt musikk? Lydhåndteringsprogramvare og verktøy kan virke skremmende, ettersom de har mange knapper og kodeord som du kanskje ikke er kjent med. Her er en rask guide som forklarer de mest grunnleggende trinnene for å blande sanger.
Steg
Trinn 1. Lytt til alle sporene til sangen sammen på repetisjon
Få en "følelse" av sangen: hva sangen handler om, hvor den er på vei, og hvordan alle elementene utfyller hverandre. Start med alle fader -knappene satt til halv volum, og juster derfra. Hvis snare lyden er for sterk, senk fader volumet; Hvis du har problemer med å høre rytmegitarlyden, skru opp volumet.
Trinn 2. Lytt til annen musikk
Lytt til lignende sanger for å finne ut hvordan de bruker hvert instrument til å produsere et komplett spor. Det kan også være lurt å lytte til veldig forskjellig (men fortsatt relatert) musikk for å finne nye ideer om denne blandingsprosessen. Hvem vet, å lytte til jazz i soultoner vil påvirke deg til å blande forskjellige sjangere i dine R & B -sanger. Det er ikke noe galt i å lete etter inspirasjon og referanser fra andre sanger.
Trinn 3. Utfør iscenesettelse (plassering av musikkinstrumenter i et kunstig rom/scene)
Et av de viktigste og ofte oversett aspektene ved prosessen med å blande en sang er iscenesettelse. Sammendraget her er rettet mot å justere alle nivåer av sangene til en sang, slik at de ikke forstyrrer hverandre. Hvis du ikke gjør denne prosessen, vil du få uønsket forvrengning i blandingsprosessen. Hold musikken din konservativ, og du vil sannsynligvis mikse godt. Et godt konservativt nivå til å begynne med er -18dBVU, holde seg unna røde nivåer som en generell referanse.
Trinn 4. Bestem forholdet mellom hvert spor
Hvilke deler utfyller hverandre? For eksempel kan rytmegitarspor spilles vekselvis, noe som resulterer i en stille effekt med noen slag. Er det et spor som virker helt ubrukelig? Prøv å skyve fader -knappen helt ned og sjekk om fjerning av dette sporet vil påvirke sangen din. Husk at det ikke er noe poeng i å opprettholde en lyd hvis den forstyrrer andre lyder. De mest fengslende sangene er de der hver del har sin egen melodi og kompletterer hverandre for å lage en symfoni.
Trinn 5. Bland nedefra og ned
Tenk på en sang som en pyramide: dens laveste og tyngste deler (basstrommer, bassgitar) vil danne grunnlaget for alle de andre elementene, med vokal og leads øverst i pyramiden. Deler som gitarer, tastaturer og andre slagverk vil fylle mellomrommet mellom toppen og bunnen av pyramiden.
Trinn 6. Ikke vær redd for å eksperimentere med equalizer/EQ
EQ kan være et godt verktøy for å fokusere lyden til et instrument ved å øke eller redusere de lave eller høye frekvensene til lyden. Det er to måter å forsterke lyden på et instrument: du kan øke visse frekvenser eller eliminere andre. Vanligvis vil skarptrommelen høres høyere ut med en økning i lave frekvenser, mens hi-hats og tom-toms vil høres skarpere og mer ekte ut når de lave frekvensene reduseres.
- EQ brukes ikke bare til finjustering; EQ er også nyttig for mye mer praktiske ting hvis noe går galt eller har lav kvalitet. Du kan bruke EQ til å omgå dette ved å redusere høyfrekvente tilbakemeldinger (high-cut EQ), eller fjerne infralyd (low-cut EQ).
- EQ er også veldig nyttig, spesielt når du bruker et trommesett. Vanligvis, når du spiller inn for dette trommesettet, er mikrofonen plassert veldig nær hver del, for å unngå andre lydlekkasjer som kan påvirke sporet ditt. Imidlertid vil vibrasjonene som forplantes i dette trommesettet noen ganger resonere i andre deler (for eksempel, trå på basspedalen på en tromme, og du vil høre en lyd på snaren). EQ lar deg redusere disse lavere frekvensresponsene.
- Videre, når en mikrofon er plassert veldig nær et instrument, plukker den naturligvis opp toner med lavere frekvenser, som vanligvis reduseres når avstanden øker. For å få en mer naturlig lyd, slik at du ikke ser ut til å plassere mikrofonen direkte på et musikkinstrument, reduserer du de lave frekvensene mikrofonen får ved å bruke EQ.
Trinn 7. Bruk et komprimeringsverktøy for å sikre at et spor har et konstant volum
Komprimering er avgjørende for å få en konstant lyd, spesielt i bassrytmedelene. Menneskelige feil sikrer at dynamikken i et musikkinstrument aldri vil være konstant gjennom innspillingsprosessen. Komprimeringsprosessen kan korrigere dette ved å forsterke roligere lyder (komprimering oppover), eller redusere høyere lyd (komprimering nedover), samtidig som lydene innenfor ønsket dynamisk område ikke påvirkes.
Trinn 8. Kontroller lyden av trommer og bass
Lyden av hver del må forbli ekte, men også blandes godt. Hvis et instrument er veldig ekte eller utydelig, vil lyden høres rar ut. Tenk på sangen din som et refreng: hver del skal høres vakkert hver for seg, men også fungere sammen som en helhet.
Trinn 9. Bruk en støyport
I utgangspunktet fungerer en støyport ved å eliminere alle lyder som ikke oppfyller en viss minimumsvolumstørrelse. Støyporten er veldig nyttig når opptak gjøres i et område der det er mye bakgrunnsstøy, slik at all "buzz" kan fjernes. Selvfølgelig kan det virke lettere å skyve faderbryteren ned når et instrument ikke spilles (for eksempel hvis hovedgitaren bare spilles noen få ganger), men faktisk er det mye mer praktisk å bruke støyport for slagverk lyder. Dette er fordi det er tungvint og krever mye arbeid å kutte hver lyd mellom perkusjon “hit” -lydene. Eksperimenter med støyporter for en skarpere, "renere" lyd.
Trinn 10. Lek rundt med midten
Gjør dette ved å endre stereoeffekter. Har du noen gang lyttet til en sang med hodetelefoner og hørt forskjellige spor i hvert øre? Prøv det selv. Vanligvis vil bassdelene høres best ut når de er satt til midten, mens rytmegitar og slagverklyder vil være interessante hvis de spilles fra side til side vekselvis. En litt usentrert tastaturlyd ville også være interessant. Denne innstillingen gir en sang en tredimensjonal følelse fordi ørene dine automatisk tar opp lyder fra forskjellige retninger.
Trinn 11. Prøv å legge til refusjonseffekter
Dette får sangen din til å høres ut som om du har flere instrumenter som spiller en rolle ved å legge lag til det samme sporet, med bare litt forskjellig tonalitet og intonasjon. Generelt vil denne effekten høres dårlig ut på et keyboard, men den vil fungere veldig bra på deler av gitarspill.
Trinn 12. Bruk prosessautomatisering for å lage en mer musikalsk sang
Automatisering kan brukes på en rekke måter for å skape musikalitet. Det er så mange forskjellige tilnærminger du kan ta her at de ikke kan beskrives i bare en artikkel. Her er noen som ofte brukes av profesjonelle låtskrivere:
- Ved å bruke automatisering for master buss -delen for å gjøre refrenget litt høyere enn verset.
- Bruke automatisering for effektreturseksjonen. Noen ganger kan du kanskje reverb eller forsinke en lyd for å produsere mer eller mindre virkelige deler av en sang.
Trinn 13. Sett alt sammen
Gjør små justeringer av hvert spor, men sørg for at du husker det hele, og lytter mellom hver justering du gjør. Selv om de enkelte delene høres bra ut, skal sluttproduktet høres bra ut som helhet.
Trinn 14. Ikke vær redd for å bryte reglene
Alt du leser om blandingsprosessen, enten det er et "faktum" eller en teknisk mening, kan noen ganger få deg til å miste kreativiteten. Stol alltid på ørene dine og ikke vær redd for å bryte reglene. Hvis du tror du må legge til 10 dB lyd ved 10 kHz, gjør du det. Hvis resultatene høres bra ut, så har du rett.
Ekstern lenke
Blanding av en sang: En nybegynnerguide
